Ivo Salvini si aggira di notte per la nebbiosa campagna della Bassa Padana, medita e ricorda. Nel suo continuo peregrinare, ha modo di imbattersi in una serie di svariati personaggi: l'amata Aldina, che non lo ricambia, lo stravagante oboista che vive nel cimitero del paese, il giovane Nestore che riflette osservando il mondo dall'alto dei tetti...

Incontra poi l'ex prefetto Gonnella, grottesco pensionato tormentato dalle paranoie, che si unisce al viaggio più onirico che reale di Salvini, improvvisato “ispettore di pozzi”, in bilico perenne tra sogno e realtà.

Insieme i due osservano la vita con attenzione e attraverso incontri, ricordi e immagini, assistono ai riti di un tempo, come la festa del paese, le fiere e gli scherzi, filtrati da una modernità caotica e rumorosa, assordante come la musica di una discoteca, vacua e superficiale come l'allora già imperante tv.

Entrambi rappresentano due facce del regista romagnolo, che alla vigilia dei suoi settant'anni si invaghisce di un soggetto insolito, la follia attuale del mondo rurale espressa da Ermanno Cavazzoni ne “Il poema dei lunatici”, per raccontare la natura più da vicino, le stagioni, la pioggia, la terra, il giorno e la notte visti da lui attraverso gli occhi e le parole di due personaggi insoliti, un po' folli e un po' raminghi, sognatori e disillusi, ingenui e paranoici.

Salvini e Gonnella, interpretati non a caso da due comici all'apice della loro carriera (rispettivamente Roberto Benigni, reduce dal clamoroso successo de Il Piccolo Diavolo e Paolo Villaggio, già leggendario Fantozzi) intraprendono un percorso a ritroso verso la vera natura dell'uomo, ponendosi interrogativi a tratti ingenui sulla vita, la morte, i diversi.

Al caos della civiltà moderna, distratta e superficiale, si contrappongono  silenzio e campagna, alla musica da discoteca, valzer e violini.

“Il ballo è una dichiarazione d'amore”, solo la poetica inventiva di un regista come Fellini poteva concepire una scena memorabile come l'incursione dei due protagonisti in una discoteca. Gonnella, sconsolato, si fa largo lentamente tra la giovane folla, accalcata e sorda, e solo per qualche attimo la musica di Johann Strauss interrompe i ritmi assordanti, per soccombere poco dopo, inevitabilmente travolta da un implacabile, rumoroso disordine.

In un susseguirsi di apparizioni, ricordi e visioni, Salvini e Gonnella meditano sulla realtà, sulla superficialità  delle chiacchiere inutili, sulle istituzioni tronfie e distratte, sul desiderio di apparire fine a se stesso. Avvertono con dolore la dilagante perdita dell'individualità per omologarsi a una collettività indifferente, dove ci si dimena per gridare, emergere, prevaricare.

Fellini punta il dito contro il sistema della televisione e non solo, ma lo fa a modo suo, con umorismo e malinconia. Il risultato è un poetico lungometraggio a torto considerato pessimista.

Nessuno prima di Federico Fellini aveva pensato che un flusso di coscienza potesse essere tradotto in linguaggio cinematografico. Nessuno prima di lui era stato tanto geniale da trasformare una crisi di creativa in creatività stessa. Nessuno prima di lui aveva realizzato un film/non-film. Nessuno prima di lui aveva girato Otto e mezzo.

Dopo sette pellicole e una mezza (l'episodio del film corale Boccaccio '70, Le tentazioni del dottor Antonio), Fellini avrebbe voluto realizzare un film che descrivesse i pensieri, i sogni e l'immaginazione di un uomo. L'idea era abbastanza imprecisa e confusa e la messa in pratica era altrettanto complicata. Anche il titolo era impossibile, tanto che Fellini si accontentò di nominare il progetto "Otto e mezzo", proprio perchè la pellicola veniva dopo altre sette più le mezza.

Dopo aver perso parecchio dell'iniziale entusiasmo, l'autore stava per gettare la spugna quando ecco il lampo di genio: raccontare la vicenda di un regista che perde l'ispirazione e non sa che fare. Guido Anselmi, interpretato da un magistrale Marcello Mastroianni, seccato da un mare di gente che gli pone domande alle quali non sa, non vuole o non può rispondere, con la testa piena di idee divergenti, di impressioni, di sensazioni, di desideri nascenti, diventa allora la proiezione di Fellini stesso.

L'idea metafilmica dell'impossibilità  di girare un film, diventa quindi l'unico modo per l'autore di ordinare ed interpretare la realtà che lo circonda e il cinema, l'unico linguaggio attraverso il quale è in grado di esprimersi. Tutti i tormenti che possono distruggere le energie di un regista prima delle riprese vengono quindi enumerati: i rapporti con la moglie, l'amante, l'ambiente di lavoro, gli estranei, la nausea, la pena, l'angoscia con cui vive questi rapporti e lo sforzo per mettervi ordine e darvi un senso.

Considerato indubbiamente uno dei massimi contributi a quel rinnovamento espressivo che ebbe luogo nel cinema tra gli anni '50 e '60, Otto e mezzo è stato definito dalla critica "il Ben Hur del cinema d'avanguardia". Esprimere un giudizio su questo film è un'impresa non poco complicata dal momento che la pellicola propone una miriade di chiavi di lettura, a dimostrazione della profonda differenza che esiste fra ciò che è importante per se stessi e ciò che di se stessi è importante per gli altri.

Bilancio felliniano della lotta femminista degli anni 60’-70’, La città delle donne fu presentato fuori concorso a Cannes nel 1980, suscitando, com’era prevedibile, un coro di polemiche. Protagonista della vicenda è Snaporaz - ovvero un cinquantenne Marcello Mastroianni, ancora una volta alter ego di Fellini - che durante un viaggio in treno, conosce una misteriosa signora e decide di seguirla, scendendo in un'irreale stazione in mezzo alla campagna. Ha inizio così la simbolica esplorazione del misterioso mondo delle donne secondo Federico Fellini. Seguendo la sconosciuta, Snaporaz si ritrova in un albergo nel bel mezzo di un congresso femminista. Mastroianni-Snaporaz diventa qui la vittima prescelta di signore che nulla hanno in comune con l’immagine della donna sensuale e femminile dell’immaginario felliniano. Le femministe incarnano la vendetta per le colpe millenarie dell’intero genere maschile. L’imputato è Snaporaz: attaccato e offeso, ingiuriato e sbeffeggiato, solo dopo varie traversie  riesce a fuggire raggiungendo il castello di Katzone, una sorta di guru dell'eros che sopravvive nell'adorazione di una femminilità ormai perduta, rappresentata dalla sua collezione di conquiste - un'incredibile galleria delle donne possedute, con tanto di  diapositive a colori e il suono registrato dei gemiti amorosi, per ognuna uguali e diversi - custodita con scientifica metodicità, in attesa del ritorno di un’era . Nella tenuta di Katzone, Mastroianni rivede anche la moglie, noiosa e vicina alle idee delle “nuove donne”. Non restano che i ricordi a poter salvare Snaporaz. Immagini di le donne seducenti, donne guardate con desiderio con occhi da adolescente; donne fertili, tonde come una terra madre. Le donne mongolfiera che volano via sull’arena del processo a Snaporaz. Qui una giuria feroce di femministe condanna lui e il suo immaginario atavico. Ma Snaporaz non muore, si sveglia, salvo, sul treno, davanti alla moglie. Il femminile che lo circonda non sembra così ostile nei suoi confronti. A parte un leggero e costante biasimo, un senso sottile di superiorità non più celato che Snaporaz-Mastroianni sembra sapere non essere poi così lontano dalle donne del suo incubo rivelatore.

E’ stato un film molto complesso per Fellini La città delle donne, mai tempi storici più ideologici potevano incontrare la sua straordinaria capacità di dire le cose dando forma a immagini-sogni. Mai muse più sognate incontrarono rappresentazioni reali più lontane: il lato cattivo del femminismo( se così possiamo definirlo) a cui tanto dobbiamo. Oggi più che mai, noi figlie di femministe, noi giovani donne dovremmo ringraziare Fellini per la sua rappresentazione profana della donna. Una  cultura della differenza fatta della stessa pasta dei sogni.

Il film che ha dato il nome ad un'intera stagione della società e della cultura romane e italiane, che ancora oggi viene citato anche magari a sproposito quando si parla di stili di vita edonistici praticati senza pensieri dagli strati privilegiati della popolazione. Un film che ha una scena citatissima e memorabile (il bagno nella fontana di Trevi) e un'altra che fece scalpore (lo spogliarello alla festa), ma che merita di essere visto o rivisto per intero per il ritratto d'epoca e l'analisi morale che offre.

Marcello Rubini, giornalista che sogna di diventare scrittore ma che intanto si arrangia per guadagnare, lavora a Roma seguendo vari eventi, emblematici di quei tempi. A Roma c'è ancora spazio per la religione e il sentimento popolare, e quando una gigantesca statua di Gesù vola sopra la città tutti si fermano a guardarla, così come occorre fare un reportage su due bambini che nei prati di una borgata sostengono di aver visto la Madonna.

Ma Roma è anche la città del divismo, e Marcello, pur avendo una fidanzata, Emma, che per altro trascura, si sente attratto dalla bellissima diva hollywoodiana Sylvia, con la quale passa una serata memorabile con tanto di bagno nella fontana di Trevi, peccato che in albergo ci sia il fidanzato di lei, manesco.

Roma è anche la città delle feste dell'aristocrazia e dei nuovi ricchi, durante le quali avvengono trasgressioni come spogliarelli e simili, o di famiglie bene che suscitano l'ammirazione di Marcello, salvo poi essere teatro di drammi da cronaca nera. E alla fine ci si può trovare su una spiaggia per l'ennesimo scoop e vedere una ragazzina innocente come unica speranza di purezza e di un futuro migliore, senza riuscire a capirla.

La dolce vita, film che suscitò polemiche per la commistione di sacro e profano, la sensualità, la schiettezza con cui metteva in scena i vizi di un mondo invidiato e invidiabile, è il ritratto di un'epoca in cui Roma, capitale di un Paese uscito sconfitto dalla guerra e diventato la sesta potenza industriale mondiale, era un luogo da sogno, tra un passato glorioso come storia e arte e un presente sensuale e opulento, anche se con dietro spesso un vuoto esistenziale profondo, che porta un professionista a sentirsi sminuito dal suo lavoro e suscita tragedie familiari all'apparenza senza senso.

Marcello è Marcello Mastroianni, nel suo ruolo forse più famoso, allegro e disperato, disincatato e voglioso di esperienze, sguardo implacabile su un microcosmo che sconvolge, affascina, strazia. Anita Ekberg diventa un sex symbol grazie a questo film, e anche se la sua carriera non conoscerà altri picchi di fama resterà un'icona proprio per quel famoso bagno nella fontana. Tra gli altri personaggi spiccano altri volti di donne, Anouk Aimée, Nadia Gray, Yvonne Furneaux, Valeria Ciangottini, rappresentanti femminili di una città e di una vita, vittime e protagoniste di un sistema che inghiotte vite e umanità.

Testimonianza d'epoca ma anche storia morale sul vuoto di un mondo invidiabile, La dolce vita è per molti il punto di arrivo del cinema di Fellini, un ritratto di una sua umanità dolente e godereccia, in cerca di un riscatto ma in fondo ripiegata sul suo destino perché incapace di cambiare, come Marcello, che non riesce a cogliere le frasi forse di speranza che gli dice una bambina dopo una notte di follia sulla spiaggia.